Hai mai ascoltato una canzone in stile rinascimentale e ti sei chiesto come è stata messa insieme - o hai voluto scriverne una tua? Questo articolo ti aiuterà a identificare, analizzare e scrivere la tua musica in stile rinascimentale.
Passi
Passaggio 1. Scopri come è nata la musica rinascimentale
- Ci sono state varie epoche della musica rinascimentale. Prima di allora, la prima era della musica di cui sappiamo molto è iniziata intorno al 1200 ed è stata definita il periodo musicale medievale. Tra il 1400 e il 1450 e fino al 1600 - questa fu l'era rinascimentale della musica, a partire dal 1400-1500 come "Primo Rinascimento", dal 1450 al 1550 come "Medio Rinascimento" e dal 1500 al 1600 come "Tardo Rinascimento".
- C'erano regole molto semplici da seguire per quanto riguardava la musica dell'era rinascimentale, e anche se la musica progrediva attraverso le sue ere interne (prima, media e tarda) si è evoluta, anche se solo leggermente.
Passaggio 2. Acquisire familiarità con le regole specifiche
A seconda della data esatta in cui il pezzo è stato scritto e dell'origine geografica, potrebbero esserci state regole aggiuntive o occorrenze all'interno della musica.
- I cantautori secolari di quella che è la Francia moderna erano chiamati Trovatori e Trovatori e hanno colmato il divario tra l'epoca medievale e quella rinascimentale. Ognuno aveva stili di composizione musicale unici.
- In epoca medievale alcuni sostenevano se la musica sacra fosse ammessa o meno nelle chiese, e quando lo era, era quasi sempre scritta in latino ecclesiastico. Nell'era rinascimentale, la chiesa iniziò ad adottare alcune pratiche laiche di scrittura di canzoni. C'erano Contrappunti o composizioni contrappuntistiche, Mottetti - che a volte includevano più lingue, Madrigali secolari e canzoni Troubadour.
- La musica del canto era un contrappunto sacro che era popolare durante l'era medievale. A volte viene erroneamente indicato come "canto gregoriano" dopo che papa Gregorio non scrisse, ma organizzò semplicemente le opere molto più tardi. Questo canto piano sarebbe servito come base per le opere corali rinascimentali.
- La musica a quel tempo era modale e i modi più comunemente usati erano (nell'ordine) misolidio, dorico e frigio, eoliano e ionico. Lidia e Locriano erano poco usati. Nel caso in cui non hai familiarità con i modi, sono simili alle scale moderne: lo Ionio è un perfetto parallelo alla moderna scala "Maggiore" e l'Eoliano è un perfetto parallelo alla moderna scala "Minore". Misolidio è una scala maggiore con un 7 bemolle (il settimo grado della scala viene abbassato di un semitono, eliminando così il "tono principale"). Dorian è una scala minore con un 6 diesis (il sesto grado della scala è alzato di un semitono) e Phrygian è una scala minore con un bemolle 2. Lydian è una scala maggiore con un 4 diesis e Locrian è una scala minore con un bemolle un bemolle 2 E un bemolle 5. Mentre le "scale" lidiche stanno diventando popolari per la musica moderna (a volte indicate come un accordo n. 11,), sono state a malapena utilizzate nel rinascimento.
Passaggio 3. Rispolverare i tuoi intervalli
Gli intervalli erano importanti nella scrittura della musica rinascimentale. Se non conosci i tuoi intervalli, questo articolo non sarà di grande aiuto. Ecco una breve sinossi degli intervalli in una scala maggiore in C. C D E F G A B C - questa è la scala maggiore in C. Gli intervalli tra il C grave e gli altri gradi della scala sono i seguenti:
- 2° maggiore (abbreviato M2) da C a D; M3 (terza maggiore) da C a E (ecc.); P4 (quarto perfetto); P5; M6; M7; P8 (chiamato anche Perfect Octave). Se Low C è stato suonato due volte di seguito, l'intervallo sarebbe indicato come P1 o Perfect Unison.
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C D Eb F G Ab Bb C – questa è la scala minore in C, e i suoi intervalli sono i seguenti:
M2; m3 (terza minore, indicata dalla “m” minuscola contro la “M” maiuscola); P4; P5; m6; m7; P8. Ancora una volta, due C basse in successione sono P1 o Perfect Unison. Altrimenti, noterai che non è cambiato molto. Ci sono più intervalli di questo.
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Do#/Reb Re#/Mib Mi Fa Fa#/Solb Sol Sol#/Lab LA#/Sib Si Do – questa è la scala cromatica. Comprende ogni nota della tonalità occidentale, a partire da C. I suoi intervalli sono i seguenti:
- +1 (o Unisono Aumentato) / m2, M2, +2/m3, M3, P4, +4/°5 (o 4° Aumentato / 5° Diminuito), P5, +5/m6, M6, +6/m7, M7, P8. Come sempre, due C di fila sono un Perfect Unison. Ci sono nomi alternativi per ogni intervallo a seconda che sia alzato (#/diesis) o abbassato (b/bemolle).
- Gli intervalli sono evidenti tra due note in una singola parte e una nota e la sua armonia contrappuntistica.
Passaggio 4. Comprendi il contenuto del pezzo che stai scrivendo
Quando scrivi musica rinascimentale, scrivi da due a quattro (raramente sei) linee musicali completamente indipendenti, tipicamente indicative delle parti maschili che cantano o delle parti strumentali. Le parti inizieranno insieme, per la maggior parte allineate, ma ci possono essere armonie molto belle create con ritmi opposti. Un singolo tema ripetuto è chiamato motivo e può essere rallentato o accelerato in altre parti, anche se una parte lo esegue così com'è.
Passaggio 5. Segui le regole
' Le regole importanti da seguire erano: A.) I salti più comuni erano su un quarto e giù un quinto. Non ci sono stati salti maggiori di un quarto, e nessun salto di un Tri-tono (5° diminuito / 4° aumentato). In genere, tuttavia, quando possibile veniva utilizzato il movimento lineare o scalare, utilizzando i toni di passaggio se necessario. Allo stesso modo, gli intervalli nell'armonia non dovrebbero atterrare su un 2 ° o un 7 ° C.) Evita i toni non diatonici - prova a scegliere una modalità e attieniti ad essa. D.) Non pensare per accordi, pensa per intervalli - contrappunto è composta da due o più parti completamente indipendenti. E.) La musica rinascimentale autentica non presentava 2 intervalli "perfetti" successivi nell'armonia. F.) La musica rinascimentale autentica non presentava più di 3 terzi o sesti successivi nell'armonia.
Passaggio 6. Quando possibile, usa il movimento scalare, lineare rispetto a salti
Se necessario, utilizzare i toni di passaggio per negare il suono "instabile" dei grandi salti. Sebbene tu stia scrivendo parti indipendenti, è intelligente scriverle tutte contemporaneamente.
Passaggio 7. Scrivilo
Mentre nella musica rinascimentale tradizionale, il ritmo era indicato dalla notazione mensurale, se si tratta di una composizione moderna che imita la musica rinascimentale, è perfettamente corretto usare la notazione moderna. I ritmi più usati erano le note intere, le mezze note, le semiminime e le crome (tecnicamente i loro equivalenti) e la breve o doppia nota intera (che è un'invenzione medievale ancora usata oggi).
Passaggio 8. Studia le lingue dell'epoca
L'inglese era scritto in quello che è noto come inglese medio simile a Chaucer. Avevano parole diverse per le cose che usiamo ancora oggi. Se stai scrivendo un mottetto, potrebbe essere in parte in spagnolo, in parte in inglese e in parte in francese. I brani sacri saranno probabilmente scritti in latino ecclesiastico. Si usava anche il tedesco. I temi popolari includevano l'amore e il dolore, i pezzi sacri spesso citavano le scritture e, come sempre, un tema secolare popolare era bere o fare il donnaiolo. Vedrai, la musica si è evoluta, ma non molto.
Passaggio 9. Forse quando hai finito, puoi prendere alcuni amici e provare i tuoi pezzi al festival rinascimentale più vicino
Con queste informazioni sotto la cintura, potresti benissimo essere le persone cronologicamente più accurate lì.
