L'animazione è facile da imparare ma difficile da padroneggiare. Esistono tanti stili di animazione quanti sono gli animatori e iniziare con un cortometraggio è un ottimo modo per praticare le tecniche di animazione mentre sviluppi il tuo stile "firma". Proprio come qualsiasi altro film, l'animazione richiede tempo, pazienza e molta pianificazione per funzionare correttamente, ma chiunque abbia un computer può realizzare un cortometraggio animato.
Passi
Metodo 1 di 3: realizzare un'animazione (pre-produzione)
Passaggio 1. Scrivi uno script
Questo è spesso più facile a dirsi che a farsi, ma devi scrivere chiaramente le tue idee e dar loro una struttura prima di iniziare a lavorare. A differenza dell'azione dal vivo, è quasi impossibile "improvvisare" un film d'animazione, poiché richiede semplicemente troppo tempo per animare tutto. Puoi utilizzare un semplice documento Word o un software di scrittura di script come Celtx, Writer Duets o Final Draft. Il tuo script non ha bisogno di dialoghi, ma ha bisogno di:
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Un tema.
Qual è il "punto" del cortometraggio? Questo non deve essere grandioso, profondo o complicato. Può essere qualsiasi cosa, da "la perdita dell'innocenza infantile", o "la noia è uno stato mentale", a "Voglio far ridere la gente con questa battuta". Consideralo un principio guida per il tuo film.
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Caratteri.
Cosa attirerà l'attenzione del tuo pubblico? Può essere qualsiasi cosa, da una persona o un animale a una linea ondulata, come il cortometraggio vincitore dell'Oscar "The Dot and the Line: A Romance".
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Visuali.
Dove si svolge il corto? Qual è l'umore o l'atmosfera? Una sceneggiatura deve raccontare la storia del cortometraggio per intero in modo che possa essere utilizzata come progetto per il lavoro futuro.
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Un inizio, una metà e una fine.
Sembra ovvio, ma è proprio questo il punto: quasi tutte le storie sono raccontate in tre parti o atti specifici e delineati. Questo non significa che devi avere una storia in tre atti, o anche "personaggi". Tuttavia, devi pensare all'"azione" del cortometraggio prima di andare avanti.
- L'atto 1 introduce i personaggi e un problema (hanno fame, il mondo sta finendo, il ragazzo ha una cotta per qualcuno, ecc.)
- L'atto 2 complica la storia/problema (tutti i negozi sono chiusi, il cattivo potrebbe vincere, la persona ha già un fidanzato, ecc.).
- L'atto 3 fornisce la risoluzione al problema (trovano una paninoteca, salvano il mondo, il ragazzo incontra un'altra persona, ecc.)
Passaggio 2. Disegna modelli di personaggi
Prima di iniziare ad animare, devi sapere come appariranno i tuoi personaggi. Disegnali in una varietà di pose, costumi ed espressioni per avere un'idea di come saranno. Ricorda che un personaggio può essere qualsiasi cosa in un film d'animazione, da un orso a un paio di sale e pepe. Tuttavia, vuoi sviluppare i tuoi personaggi in anticipo in modo che sembrino coerenti quando li animi.
Passaggio 3. Disegna uno storyboard
Gli storyboard sono disegni individuali per ogni parte dell'azione nella sceneggiatura e vengono utilizzati nella produzione di quasi tutti i film, animati o meno. Sono entrambi semplici e completi, poiché ne hai bisogno uno per ogni modifica che desideri nel film. Tuttavia, non hanno bisogno di dettagli o colori di sfondo, a meno che non siano essenziali per la storia. Puoi trovare e stampare una varietà di modelli di storyboard gratuiti online o disegnarne uno tuo. Ogni frame dello storyboard ha due parti:
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L'immagine:
In una casella rettangolare, disegna l'azione principale dello scatto, ignorando per ora le immagini di sfondo. Puoi anche disegnare note o frecce per indicare il movimento.
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Il dialogo.
Sotto l'inquadratura, annota ciò che deve essere detto nell'inquadratura, la lunghezza proposta dell'inquadratura ed eventuali effetti (zoom avanti, fotocamera mossa, ecc.)
Passaggio 4. Importa lo storyboard in un programma di produzione cinematografica, salvando ogni fotogramma singolarmente
Una volta pianificati i tuoi scatti, importali nel tuo computer. Assicurati di nominarli in modo appropriato (Act1. Scene1. Shot1.jpg, ad esempio). Quando hai finito, importali tutti nel tuo software di editing cinematografico (iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, Adobe AfterEffects, ecc.) e mettili nell'ordine corretto.
Adobe AfterEffects o Premier sono considerati gli standard del settore, ma puoi utilizzare qualsiasi programma con cui ti trovi più a tuo agio
Passaggio 5. Usa lo storyboard per creare una presentazione a tempo o animatic
Le animazioni sono i tagli grezzi dell'animazione: raccolgono il ritmo e il ritmo del cortometraggio e ti consentono di ottenere il tempismo giusto per il tuo cortometraggio finale. Sembra complicato, tuttavia, in realtà sono solo presentazioni con tempistiche adeguate. Metti in ordine le immagini dello storyboard sul tuo software di editing ed estendi, taglia e gioca con esse fino a ottenere un taglio "grezzo" del film finale.
- Puoi trovare esempi di animatic online, come l'animatic per il video musicale "Feel Good Inc." così come alcuni animatic Pixar.
- Quasi tutti i film d'animazione vengono prima trasformati in animatic. Altrimenti rischi di passare ore ad animare completamente una scena che deve cambiare, allungarsi o accorciarsi o essere eliminata.
Passaggio 6. Aggiungi la finestra di dialogo e gli effetti sonori e regola i tempi dell'animatic secondo necessità
Una volta che hai il tuo tempismo approssimativo, è il momento di pre-registrare il dialogo. Questo non deve essere perfetto e puoi persino simulare gli effetti sonori con la bocca e le mani, se lo desideri. Ciò che conta è il tempismo. Hai abbastanza tempo nello "scatto" per tirare fuori tutte le parole? Estendi o accorcia la lunghezza delle diapositive secondo necessità.
Più ti avvicini al perfetto perfezionamento del dialogo, meglio è, poiché la maggior parte della buona recitazione vocale richiede un tempismo adeguato. Detto questo, ora non è il momento di preoccuparsi dei dettagli più fini del doppiaggio. Devi mettere insieme il tuo animatic prima di passare alla produzione completa
SUGGERIMENTO DELL'ESPERTO
Melessa Sargent
Film Producer Melessa Sargent is the President of Scriptwriters Network, a non-profit organization that brings in entertainment professionals to teach the art and business of script writing for TV, features and new media. The Network serves its members by providing educational programming, developing access and opportunity through alliances with industry professionals, and furthering the cause and quality of writing in the entertainment industry.
Melessa Sargent
Film Producer
Take some extra time in the editing phase to fine tune your timing
Since a short film is only about 15 minutes, everything has to be on point, from the writing to the voice of the character to the location.
Passaggio 7. Rivedi il tuo animatic come se fosse il film finale
L'animazione finale dovrebbe raccontare l'intera storia del tuo film, meno gli ornamenti di colore, sfondi e dettagli.
Se sei esperto di editing video, puoi aggiungere subito panoramiche, zoom e transizioni per testarli prima dell'editing finale
Passaggio 8. Considera l'acquisto di un tablet
I tablet sono piccoli pad per computer dotati di una penna elettronica, che ti consente di "disegnare" direttamente nel tuo computer. Disegnare bene con un mouse è quasi impossibile e, a meno che tu non pianifichi piccoli progetti o lavori in stop-motion, avrai quasi sicuramente bisogno di un tablet.
Metodo 2 di 3: animazione del film (produzione)
Passaggio 1. Determina il tuo mezzo di animazione
Questo di solito dipende dalla tua esperienza e dall'hardware. Ad esempio, è molto difficile, se non impossibile, per un principiante con un vecchio computer realizzare animazioni 3D come Pixar. Esistono moltissimi software e stili di animazione e tutti hanno complessità e tecniche uniche per il software.
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Animazione 2D:
Questo è il classico look da cartone animato disegnato a mano. I personaggi sono disegni a linee piatte. In origine, venivano disegnati fotogramma per fotogramma, ma ora esiste una varietà di software che rende il processo molto più veloce, come Synfig, Pencil2D, ToonBoom o persino Adobe Photoshop. Tradizionalmente, usi 12-24 disegni al secondo di pellicola.
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Animazione 3D:
Simile ai modelli utilizzati nei videogiochi e nei film come Toy Story e Shrek, l'animazione 3D è molto più difficile da padroneggiare. Realizzi modelli dei personaggi e codifichi il movimento al loro interno, rendendo l'animazione 3D una sorta di ibrido artistico/codifica. È inoltre necessario aggiungere luci e trame. Il software 3D può essere utilizzato, ma richiede molto tempo e richiede software come AutoDesk, Poser Pro, Aladdin o Sketchup. La maggior parte delle animazioni 3D è il risultato di grandi team che lavorano insieme.
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Stop-Motion:
Così semplice che chiunque può farlo, lo stop-motion è quando usi figure o disegni della vita reale e scatti una foto dopo ogni piccolo movimento. Quando le immagini vengono riprodotte l'una dopo l'altra ad alta velocità, sembra un movimento. Tuttavia, è incredibilmente dispendioso in termini di tempo, poiché spesso sono necessarie fino a 12 foto al secondo di filmati per renderlo fluido. Puoi usare ritagli, modelli in argilla, disegni individuali o persone reali per realizzarlo.
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Rotoscopio:
Una forma di nicchia di animazione che si trova in film come A Scanner Darkly, il rotoscoping si anima sopra i film girati in modo convenzionale. Avrai bisogno di un tablet e passerai attraverso il filmato fotogramma per fotogramma, usando il video dal vivo come guida per disegnare i personaggi. Il risultato è un aspetto realistico, ma ancora animato.
Passaggio 2. Disegna i tuoi sfondi
Inizia con le tue impostazioni, poiché i personaggi sono sovrapposti su di esse. Lo sfondo dovrebbe essere tutto ciò con cui i personaggi non interagiscono, poiché tutto ciò che si muove deve essere animato. Lo sfondo dovrebbe essere un disegno grande e scansionato ad alta risoluzione. Ciò consente di "ingrandire" alcune sezioni senza distorsioni. Ad esempio, se hai due personaggi che parlano in un caffè, vuoi disegnare l'intero caffè dietro di loro. Ma potresti volere che la "telecamera" si concentri su ogni personaggio mentre parlano individualmente. Invece di ridisegnare lo sfondo dietro di lui, puoi copiare e incollare una sezione più piccola del tuo sfondo dettagliato per i "primi piani".
Passaggio 3. Disegna, modella o progetta le tue "pose chiave
" Quali sono le pose essenziali dei tuoi personaggi, o le azioni che definiscono ognuno di loro, nella scena? Pensa a queste come alle "destinazioni" per ogni pezzo di movimento. Prendete, ad esempio, un personaggio che finisce per un pugno. Potresti suddividerlo in tre "posizioni chiave", ognuna delle quali deve essere disegnata e salvata separatamente.
- Key Pose 1 = Riposo. Potrebbe essere un volto di sorpresa, rabbia o determinazione, o semplicemente il personaggio con le mani lungo i fianchi.
- Key Pose 2 = Caricamento in corso. In che modo il personaggio alza il braccio indietro? Non preoccuparti ancora del movimento per raggiungere questa posizione, tirali fuori con il braccio indietro e pronti a rilasciare.
- Key Pose 3 = Il Follow Through. Dove finisce il personaggio subito dopo il pugno? Il loro braccio sarà esposto e il loro corpo probabilmente seguirà. Ancora una volta, vuoi la posa finale, non i fotogrammi mentre la mano passa.
- Più pose chiave disegni, più complesso sarà il movimento. Ad esempio, puoi aggiungere un fotogramma chiave in cui il personaggio sembra scioccato, stringe il pugno, lascia cadere il gomito, fa oscillare il braccio, prende a pugni, quindi gira intorno al follow-through.
Passaggio 4. Disegna le cornici "intermedie"
Prendi ad esempio il pugno: come si passa da un tasto all'altro? C'è un software avanzato che lo farà per te: una volta che hai creato i modelli dei personaggi, il software "renderà" il movimento in mezzo per te. Tuttavia, se sei appena agli inizi, probabilmente dovrai disegnare le tue cornici a mano. Più fotogrammi disegni, più fluida sarà l'azione.
- Può aiutare a mettere i fotogrammi chiave sullo schermo come guide. Questo ti aiuta a vedere dove hai bisogno di ottenere i personaggi e da dove hanno iniziato.
- Se qualcosa non si muove, non preoccuparti di ridisegnare. Copia e incolla il fotogramma chiave, cancella la parte che deve essere spostata e mantieni tutto il resto dov'era.
Passaggio 5. Comporre il filmato
Il compostaggio è solo un modo elegante per descrivere il mettere insieme il film. Questo può essere semplice come ordinare tutti i fotogrammi per lo stop-motion o complicato come eseguire il rendering di un modello 3D con un'illuminazione accurata. Ancora una volta, il tuo metodo di animazione determinerà come componi qualcosa:
- Per gli animatori 2D, il compositing consiste nel rendere il movimento fluido. Software come ToonBoom lo farà per te e potrebbe essere chiamato "rendering".
- Per gli animatori 3D, sappi che questo richiede molto tempo. Gli effetti di luce e le trame sono difficili da programmare e anche i computer più veloci possono impiegare ore per comporre un video.
- Per gli animatori in stop-motion, dovresti giocare con la lunghezza del fotogramma, regolando le inquadrature di un decimo o centesimo di secondo per ottenere un movimento fluido e fluido.
Metodo 3 di 3: Finitura del film (post-produzione)
Passo 1. Registra qualsiasi finestra di dialogo per il film finale
Ora che hai l'animazione quasi finita, è il momento di ottenere la voce giusta. I tuoi doppiatori possono vedere la scena finale, le espressioni dei loro personaggi e il tempismo che desideri nella tua ripresa finale. Ciò consente loro (o te) di offrire la migliore performance vocale.
Nota che, a questo punto, qualsiasi modifica all'animazione potrebbe richiedere molto tempo. Ecco perché un'attenta pre-produzione è essenziale per un film d'animazione di qualsiasi lunghezza
Passaggio 2. Aggiungi effetti sonori dove appropriato
Gli effetti sonori dovrebbero venire dopo i doppiatori e sintonizzati al volume appropriato in cui non sovrastano il dialogo. Ci sono alcune eccezioni a questa regola, ovviamente. Ad esempio, se c'è un'esplosione a cui i personaggi devono reagire, potrebbe essere meglio inserirla per prima, prima di registrare il dialogo. Questo aiuta gli attori a reagire.
Il mixaggio del suono è una forma d'arte importante e sottile. Investi in un buon paio di cuffie e/o altoparlanti per regolare correttamente tutti i volumi
Passaggio 3. Taglia il film nella tua visione finale
Ora che hai messo insieme l'intero film, come regge? È probabile che alcune delle transizioni risultino goffe e che una scena o due durino più del dovuto. Proprio come modificheresti qualsiasi film d'azione dal vivo, devi rivolgere un occhio critico al tuo pezzo d'animazione e lucidarlo fino a farlo brillare. Anche se non esiste un modo "corretto" per montare un film, ci sono un paio di principi da tenere a mente:
- Qualche scena sembra veloce ed essenziale? Ti senti impegnato tutto il tempo? Una linea o un'inquadratura specifica aiuta a far avanzare la storia o il tema? Se la risposta a una di queste domande è no, inizia a tagliare. Spesso la prima e l'ultima riga di dialogo non sono essenziali, poiché saltare direttamente dentro/fuori da una scena è solitamente più coinvolgente. Ogni fotogramma conta durante la modifica.
- Guarda il film con qualcuno che è distante dal progetto. C'erano parti che si annoiavano? Qualcosa li ha confusi o ha bisogno di più tempo? Come puoi tagliare e ritagliare la tua storia per renderla il più avvincente possibile?
- Come scorre la scena insieme? A volte 2-3 secondi di filmati di sfondo aiutano lo spettatore a riprendere fiato e a tuffarsi nella scena successiva prima che inizi il dialogo.
Passaggio 4. Aggiungi i tuoi tocchi di lucidatura, come effetti, transizioni e correzione del colore
Ad esempio, se desideri una tinta seppia d'altri tempi per il tuo film, aggiungila per ultima. Questi tipi di piccole modifiche non sono necessarie durante il ritaglio, il taglio e la creazione del filmato. Inoltre, saranno inutili se tagli la scena o cambi la combinazione di colori. Tutti questi piccoli tocchi devono arrivare per ultimi, una volta che sei sicuro che la "carne" del film è finita.
- Aggiungi tendine, dissolvenze o dissolvenze in entrata alle transizioni di scena.
- Aggiungi eventuali filtri o effetti sul filmato finito.
- Aggiungi titoli e crediti all'inizio e alla fine, se necessario, proprio alla fine.
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Suggerimenti
- Lavora in piccoli blocchi per ottenere i migliori risultati - una scena, un'azione, ecc. - e poi costruiscili insieme in seguito.
- Prenditi il tuo tempo nella pre-produzione. Salverà un sacco di mal di testa in seguito.
- Fai un film di prova, non più di 20-30 secondi, se stai appena iniziando con un nuovo software. Questo ti aiuta ad apprendere il programma e le sfide prima di immergerti nella tua visione.
