4 modi per scrivere, dirigere e modificare il tuo film

2024 Autore: Robert Blare | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-17 07:47

Hai mai desiderato realizzare un tuo film? Scrivere, dirigere e imparare a montare il tuo film è una proposta scoraggiante, ma ti dà il massimo controllo creativo della tua creazione. Dovresti essere pronto a impegnarti molto solo per realizzare il tuo film, ma dovresti anche essere pronto a divertirti molto. Quindi prendi un po' di amici, raduna una telecamera e preparati a girare… Hollywood sta chiamando.

Passi

Metodo 1 di 4: Scrivi il tuo film

Passaggio 1. Trova un'idea

A meno che tu non abbia un'immaginazione grande quanto l'Oceania, questa sarà la parte più difficile. L'idea per il tuo film, tuttavia, non deve necessariamente essere un'intensa resa dei conti con la musa artistica. Cerca di ottenere una buona frase, come quella che leggi nella descrizione di un film, su cui basare il tuo film. Qual è il conflitto, il personaggio o la storia che vuoi raccontare? Tieni a mente alcune cose durante la pianificazione:

• Più piccolo è meglio: se lo stai girando da solo, ogni personaggio in più, posizione ed effetto speciale dovrà essere finanziato e scoperto a un certo punto.
• A quale genere miri? Commedia? Fantascienza? Dramma? Una volta che conosci il tuo genere, puoi iniziare a pensare a trame e personaggi che si adattano ad esso.
• Quali sono le combinazioni di film che non hai visto? Anche se sembra infantile, quasi tutti i film e la TV sono ibridi di altri film, TV e generi. Ad esempio, Twilight è Vampire + Romance Novel. Hai visto un buon western comico? Che ne dici di un fumatore di fantascienza? Come puoi abbinare i tuoi interessi in modi inaspettati?
• Dove hai esperienza? Puoi commentare in modo originale la vita quotidiana di un impiegato? Ne sai più di chiunque altro sul disc golf? C'è un film in queste esperienze da qualche parte?
• Cerca le "linee di registro" per i tuoi film preferiti per trovare ispirazione. Si tratta di una sinossi simile di una frase di film usati per vendere la sceneggiatura ai dirigenti cinematografici. Puoi cercarne migliaia online.

Passaggio 2. Inventa i tuoi personaggi

I personaggi guidano le storie. Quasi tutti i film sono il risultato di un personaggio che vuole qualcosa ma non è in grado di ottenerlo. Il film mostra quindi le prove e le tribolazioni dei personaggi mentre cercano di soddisfare i loro desideri (prendere la ragazza, salvare il mondo, laurearsi, ecc.) Il pubblico si riferisce al personaggio, non al tuo film, quindi è necessario per assicurarti di aver ben pensato i personaggi prima di iniziare. Buoni personaggi:

• Sono rotondi.

  Ciò significa che hanno molteplici sfaccettature, non solo un "uomo arrabbiato" o una "eroina forte". I personaggi rotondi hanno punti di forza e di debolezza, che li rendono riconoscibili per il pubblico.

• Avere desideri e paure.

  Anche se ce n'è solo uno per ciascuno, un buon personaggio vuole qualcosa ma non è in grado di ottenerlo. La loro capacità o incapacità di superare la loro paura (di essere poveri, di essere soli, di alieni spaziali, di ragni, ecc.) è ciò che guida il loro conflitto.

• Avere un'agenzia.

  Un buon personaggio non viene preso in giro perché la tua sceneggiatura ha bisogno che vada da qualche parte. Un buon personaggio fa delle scelte che spingono avanti la trama. A volte questa è solo una scelta che guida tutto il resto (Llewellyn, Non è un paese per vecchi), a volte è una serie di scelte buone/cattive in ogni scena (American Hustle).

Passaggio 3. Disegna i punti principali della trama del tuo film

Ad alcune persone piace inventare personaggi e una premessa e poi iniziare a scrivere. Tutti gli sceneggiatori, tuttavia, vedono il valore della trama in 5 punti, dove 5 momenti chiave e crescenti costituiscono il film. Quasi ogni singolo film realizzato segue questa struttura generale, da Jurassic Park e Just Friends, a Jupiter Ascending.' Questo non significa che il tuo script debba seguire questo modello, ma c'è un metodo per la follia. Ci sono 5 momenti principali in ogni film che cadono nello stesso identico posto e hai bisogno di una buona ragione per deviare da questo sistema se vuoi essere "originale":

• Il set up:

  Chi sono i tuoi personaggi, dove vivono e cosa vogliono? Questo è il primo 10% o meno del tuo film.

• Il cambiamento di piani/opportunità/conflitto:

  Succede qualcosa che mette in moto il tuo conflitto: Erin Brockovich ottiene un lavoro, la scuola di Superbad organizza una festa, Neo viene presentato a The Matrix, ecc. Questo è più o meno il segno 1/3 della tua sceneggiatura.

• Il punto di non ritorno:

  Fino a questo punto, i personaggi stanno lavorando duramente per realizzare i loro obiettivi. Ma, a metà del film, succede qualcosa che rende impossibile tornare indietro. Un cattivo di Bond attacca di nuovo, il Gladiatore arriva a Roma, Thelma e Louise rapinano il loro primo negozio, ecc.

• Il maggiore contrattempo:

  Dal punto di non ritorno la posta in gioco è aumentata. Per i personaggi e il pubblico, ogni speranza sembra persa. Questo è il momento in cui la ragazza e il ragazzo si lasciano in ogni commedia romantica mai realizzata, quando Ron Burgundy viene licenziato in Anchorman e quando John McClane viene picchiato e sanguinante in Die Hard. Questo arriva al 75% della tua storia.

• Il climax:

  I personaggi fanno un'ultima spinta a tutto campo per raggiungere i loro obiettivi, culminando nella loro sfida più grande di tutte. Questa è la corsa attraverso il momento dell'aeroporto, i buchi finali in Caddyshack, o la resa dei conti tra eroe e cattivo. Una volta risolto, l'ultimo 10% della sceneggiatura risolve le questioni in sospeso e mostra le conseguenze del climax.

Passaggio 4. Scrivi il tuo script

Se stai producendo il film da solo, puoi usare qualsiasi formato di scrittura che ti piace. Tuttavia, software di sceneggiatura come Celtx, Writer Duets e Final Draft ti aiuteranno a ottenere una formattazione di qualità professionale insieme a strumenti specifici per gli sceneggiatori. Questi programmi si formatteranno automaticamente per te e sono un ottimo modo per conoscere la lunghezza del tuo film: 1 pagina di script formattato equivale a circa 1 minuto di tempo sullo schermo.

• Datti alcune note su cose come ambientazione, scenografia e attori, ma concentrati principalmente sui dialoghi. Prenderai le altre decisioni in seguito, quando avrai telecamere, attori e location.
• Preparati anche per le riscritture. È quasi impossibile ottenere tutti i tuoi momenti - personaggi, trame, temi, battute, ecc. - proprio nella prima esecuzione. Una volta che hai finito, torna al copione e prova a leggerlo obiettivamente. Guarderesti questo film?

Passaggio 5. Leggi una tabella per migliorare la tua scrittura

Le letture da tavolo sono essenziali per affinare una buona sceneggiatura e prepararsi al film. Riunisci un paio di amici o attori e dai a ciascuno una sceneggiatura 2-3 giorni prima. Quindi invitali e fai una prova dell'intero film, facendogli parlare le parti mentre tu o qualcun altro narra le azioni. Prendi nota di tutte le righe che suonano innaturali o imbarazzanti, dove una scena è breve e quanto tempo impiega la sceneggiatura per essere letta.

• Chiedi agli attori/amici cosa ne pensano. Dove si sono confusi, cosa amavano? Chiedi loro se si sono sentiti come se il loro personaggio fosse ben pensato e coerente.
• Cerca di non recitare una parte e ascolta semplicemente. Senti il tuo film prendere vita? Suona come speravi che sarebbe successo? Vuoi ascoltare questi momenti ora, non quando le telecamere si accendono.

Metodo 2 di 4: Preparazione per la produzione

Passaggio 1. Fai un elenco di tutte le tue attrezzature e attrezzature necessarie

Realizzare un film richiede molti strumenti, tra cui fotocamere, microfoni e luci. Fai un rapido inventario di ciò che hai per l'attrezzatura, quindi trova il modo di riempire i buchi:

• Macchine fotografiche:

  Certo, non potresti mai girare un film senza una telecamera. Per la maggior parte dei film, hai bisogno di almeno 2 fotocamere e preferibilmente 3. Detto questo, i moderni progressi della fotocamera hanno reso possibile girare un film con un iPhone 6, quindi non devi più spendere un sacco di soldi. La cosa più importante per un film professionale è avere fotocamere che riprendono nello stesso formato (1080i, ad esempio), altrimenti la qualità del video cambierà leggermente ad ogni taglio. Se hai un budget limitato, di solito puoi farla franca usando il tuo telefono o una fotocamera DSLR standard.

• Microfoni:

  Se sei in difficoltà, spendi i tuoi soldi in apparecchiature audio: è stato dimostrato che il pubblico nota un audio scadente prima di un video scadente. Sebbene sia possibile utilizzare i microfoni della fotocamera collegati se necessario, un microfono Tascam o fucile è sempre un investimento utile.

• Illuminazione:

  Se riesci a ottenere un ottimo kit di illuminazione da 3-5 pezzi, usalo. Queste luci hanno una varietà di funzioni e impostazioni che ti aiutano a illuminare qualsiasi situazione immaginabile. Tuttavia, 5-10 luci a morsetto economiche e prolunghe hanno acceso molti film indipendenti. Tutto ciò di cui hai bisogno sono luci e lampadine diverse (tungsteno, satinate, LED, ecc.) per personalizzare la tua scena.

• Accessori essenziali:

  A seconda del film, avrai bisogno di schede di memoria, un disco rigido di backup, treppiedi, riflettori di luce, prolunghe, nastro nero (per coprire o fissare i cavi) e software di editing video per computer.

Passaggio 2. Crea uno storyboard per ogni scena

Gli storyboard assomigliano un po' ai fumetti grezzi: disegna l'inquadratura generale, quindi aggiungi il dialogo che deve essere detto sotto. Puoi scaricare facilmente i modelli online, quindi disegnarli prima di una ripresa. Gli storyboard sono come liste di controllo durante le riprese, che ti aiutano a catturare ogni ripresa di cui hai bisogno in modo che, durante il montaggio, non ti rendi conto improvvisamente che ti stai perdendo qualcosa.

• Ogni fotogramma che disegni diventa la tua lista di scatti: un libro dettagliato pieno di ogni angolo di ripresa che devi catturare per raccontare la tua storia. Una volta terminato lo storyboard, copialo e mettilo in un raccoglitore per riferimento futuro.
• Prendi nota dei tagli e delle transizioni e degli effetti sonori essenziali. Questi disegni non devono essere arte, devono raccontare visivamente la storia del tuo film.
• Questi possono sembrare noiosi, ma ti faranno risparmiare tempo sul set, che diventa rapidamente costoso.

Passaggio 3. Trova i set e le posizioni

Ci sono molte scuole di pensiero sulla scelta dei set e nessuna è sbagliata. Puoi costruire i tuoi set per il massimo controllo creativo, ma questo richiede tempo e molti soldi. Puoi girare anche in case e luoghi a cui hai facile accesso, come la casa o il cortile di un tuo amico. In alternativa, puoi affittare gli spazi che ami, ottenendo i diritti per filmare in una scuola, in un hotel o in un parco. Qualunque cosa tu faccia, assicurati che il tuo set si adatti al tuo film e consentirà a te e alla tua troupe di occupare il posto per più ore, indisturbati.

Passaggio 4. Usa il tuo storyboard e l'elenco delle attrezzature per fare il tuo budget

Questo potrebbe essere il momento che ogni regista odia di più, ma hai bisogno di un'idea realistica del costo del tuo film prima di iniziare le riprese. Ad esempio, non vuoi arrivare a metà delle riprese e realizzare che non puoi più permetterti di noleggiare un'auto per la scena dell'inseguimento. Mantieni il tuo budget semplice e realistico. Hai davvero bisogno di 10 pistole a elica o puoi farne 2? Puoi eliminare o modificare una scena con 100 comparse per averne 10? Hai bisogno di budget per:

• Attrezzatura che attualmente non possiedi.
• Oggetti di scena, costumi e luoghi (come affittare una sala da ballo o un ristorante).
• Compensi per la troupe e gli attori. È possibile ottenere troupe e attori gratuitamente, ma è raro che le persone aiutino per più di 1-2 giorni senza retribuzione. Potresti essere in grado di offrire favori in cambio del fatto che ti aiutino in una produzione più breve.
• Vitto e spese di trasporto per te, la troupe e gli attori.
• Sappi che, per una ripresa "professionale", con troupe e attori pagati, dovresti avere un budget minimo di $ 5.000 al giorno.

Passaggio 5. Assumere attori e membri della troupe

Hai i tuoi personaggi, la tua lista delle riprese e l'attrezzatura necessaria: ora hai bisogno di qualcuno che li usi tutti. Come scegliere gli attori è una scelta personale: puoi tenere audizioni usando Craigslist o post sui giornali, visitare i teatri locali o coinvolgere i tuoi amici. Per quanto riguarda i membri dell'equipaggio, c'è una varietà di posti che devi riempire:

• Direttore della Fotografia (DP):

  Probabilmente il lavoro più importante, sono responsabili delle telecamere e delle luci. Mentre dirigi gli attori e dai l'ultima parola alle riprese, loro gestiscono gli aspetti tecnici del film. Hai bisogno di qualcuno che capisca obiettivi, fotocamere e illuminazione, anche se è solo un amico appassionato di fotografia. È molto, molto difficile illuminare efficacemente una scena, un luogo, le telecamere, guardare gli attori e impostare lo scenario allo stesso tempo, quindi trova qualcuno che possa alleggerirti un po' e ti permetta di dirigere.

• Assistente alla regia (AD): Programma le riprese, si assicura che l'elenco delle riprese sia coperto, filma piccole scene se il regista è occupato. Può aiutare anche il budget.

• Operatori di telecamere e microfoni:

  Autoesplicativo, ma essenziale. Non puoi fare un film senza di loro.

• Truccatore:

  Sebbene chiunque possa farlo, il loro compito principale è la continuità. A meno che non passi molto tempo nel tuo film, hai bisogno che il volto e i costumi dell'attore siano identici in ogni singola scena, altrimenti il pubblico noterà i cambiamenti. Scatta foto ogni giorno del costume, del trucco e delle scene per assicurarti che sembri lo stesso.

• Ingegnere del suono:

  Ascolta tutto il suono mentre viene registrato, assicurandoti che sia corretto. Posizionano anche i microfoni per raccogliere i dialoghi dopo che le luci sono state posizionate.

• Produttore di linea:

  Controlla le posizioni in anticipo, si assicura che i permessi e i contratti siano scritti e firmati.

• Assistente di produzione:

  Sempre utili, queste persone fanno tutto ciò che deve essere fatto: preparare cibo e caffè, pulire le schede di memoria e persino tenere in mano una fotocamera quando necessario. Non puoi mai avere abbastanza membri dell'equipaggio.

Passaggio 6. Firma i contratti

Non importa con chi stai lavorando o quale sia il progetto: fatti firmare un contratto. Questo ti protegge in caso di incidenti, obbliga legalmente le persone a vedere il tuo film fino al completamento e previene azioni legali nel caso in cui il film venga ripreso. Puoi cercare online "Actor Film Contract", "Producer Contract", ecc. e adattarlo alle tue esigenze facilmente e liberamente, quindi non lesinare su questo passaggio.

• I contratti sono, paradossalmente, un ottimo modo per preservare le amicizie. Invece di discutere su qualcosa in seguito, puoi semplicemente tornare a ciò che hai già scritto.
• Assicurati di avere una disposizione, soprattutto per gli attori, che richieda loro di finire il film una volta che iniziano le riprese.

Passaggio 7. Crea il tuo programma di riprese

Realisticamente, a meno che tu non abbia solo poche persone nel tuo script e 1-2 posizioni, otterrai solo 5-10 pagine del tuo script in una buona giornata. Per scene grandi o difficili, potresti ottenere solo 2-3 pagine. Più tempo puoi dedicare alle riprese, meglio è, ma più tempo impieghi a filmare più soldi spenderai anche tu. Come bilanciare questo dipende da alcuni fattori:

• Quali scene si svolgono tutte nello stesso luogo? Puoi filmarli, anche se fuori servizio, lo stesso giorno?
• Quali scene hanno elenchi di riprese enormi? Realizzarli per primi può assicurarti di ottenere le scene "grandi" nel modo in cui le desideri.
• Ci sono colpi spendibili se il tempo/il denaro stanno finendo? Metti questi ultimi.
• Questo programma potrebbe, e probabilmente dovrà, essere fluido. Ma più riesci ad attenerti ad esso, meglio è.

Metodo 3 di 4: Filmare il tuo film

Passaggio 1. Preparati a tutto in anticipo

Dovresti essere il primo sul set e l'ultimo a partire ogni singolo giorno. Girare un film non è facile e devi presumere che tutto ciò che può andare storto lo farà. Gli attori si ammalano, il tempo non collabora e ci sono centinaia di piccole decisioni (luci, posizionamento dei personaggi, costumi) che devono essere prese ogni ora. L'unico modo per avere una ripresa di successo è fare quanto più lavoro possibile prima ancora di iniziare.

• Rivedi l'elenco delle riprese del giorno. Cosa devi ottenere e cosa puoi tagliare se finisci il tempo?
• Prova con gli attori. Assicurati che conoscano le loro battute e come vuoi che vengano suonate.
• Rivedi le scelte di illuminazione e fotocamera con il DP.

Passaggio 2. Fai sapere a tutti cosa è previsto all'inizio delle riprese

Fornisci a tutti i dettagli in modo diretto dall'alto. Questo è particolarmente importante per i film a basso budget, poiché di solito otterrai un po' di recitazione e lavorerai gratuitamente. Fai conoscere al cast e alla troupe i tuoi obiettivi per le riprese del giorno e quanto sono grati per il tuo supporto.

• Distribuisci in anticipo il programma della giornata in modo che tutti siano preparati.
• Fai sapere alla troupe degli effetti speciali o degli stati d'animo che stai cercando e come possono aiutarti a crearli.
• Rivedi la tua procedura di tiro in modo che tutti conoscano il loro ruolo.

Passaggio 3. Imposta il blocco della scena

Il blocco è dove sono gli attori e dove vanno. Questo è il primo passo per qualsiasi ripresa e il più essenziale: tutte le luci, le telecamere e il suono non possono essere posizionati fino a quando non sono stati completati. Se la scena è ben provata, dovrebbe essere facile. In caso contrario, dovrai dedicare un po' di tempo a posizionare gli attori nei punti giusti.

• Mantieni questo il più semplice possibile: camminando in linea retta, entrate e uscite di base e per lo più posizioni ferme. Non è un gioco e le telecamere cattureranno solo una piccola parte dell'intera scena. Lascia che sia la telecamera a fare il movimento quando possibile, non gli attori.
• Il nastro può essere posizionato sul pavimento per dire agli attori dove andare a finire dopo ogni ripresa.
• Spesso puoi pianificare in anticipo utilizzando i membri dell'equipaggio o un elenco dettagliato delle riprese per risparmiare tempo. Se hai già scritto il blocco, le tue riprese saranno molto più produttive.

Passaggio 4. Configura le tue fotocamere

Esistono infiniti modi per posizionare, spostare e utilizzare le fotocamere. Questo è il motivo per cui un elenco di riprese, che è fondamentalmente un elenco delle posizioni della fotocamera prestabilite, è fondamentale per risparmiare tempo e denaro. Nell'interesse del tempo, i tre angoli di ripresa essenziali in una scena di dialogo sono:

• Stabilire colpi, o maestri:

  Le inquadrature fisse contengono tutta l'azione della scena: i personaggi che parlano, il set e i movimenti. Sono inquadrature lunghe e larghe che, se qualcosa è andato storto, potresti usare per filmare l'intera scena, poiché catturano tutto.

• 2-shot (2 fotocamere):

  Una telecamera sopra la spalla di ogni attore, puntata verso l'altro attore. In questo modo puoi guardare ogni personaggio mentre parla.

• Quando riprendi 3 o più attori, prova a bloccarlo in modo da avere 2 personaggi contemporaneamente nell'inquadratura: in questo modo hai solo bisogno di una telecamera per catturare i loro dialoghi.
• Guarda alcuni dei tuoi film preferiti con un occhio attento. In che modo, ad esempio, un film potrebbe catturare un appuntamento a cena tra 2 persone? Noterai questi tre angoli di ripresa (uno di entrambi + il tavolo, uno del ragazzo, uno della ragazza) più di qualsiasi altra serie di scatti.

Passaggio 5. Imposta le luci

Ricorda, è sempre meglio avere più luce che averne di meno. È facile scurire un'immagine in post-produzione, ma è molto difficile renderla più chiara senza sacrificare la qualità dell'immagine. Usa la luce naturale a tuo vantaggio quando possibile e, soprattutto, mantienilo semplice. Il tuo obiettivo è una bella gamma graduale di luci: ombre profonde e scure e pochissimi grandi punti luminosi.

• Metti la tua fotocamera in bianco e nero per vedere solo la leggerezza dell'immagine. Se è ancora uno scatto interessante in bianco e nero, sembrerà incredibile a colori.
• L'ora e mezza intorno all'alba e al tramonto è considerata il momento migliore per scattare con la luce naturale. L'illuminazione è morbida e uniforme, e puoi persino usare questo tempo per illuminare gli scatti "notturni", che vengono attenuati in seguito in post-produzione.
• Usa "pratici" o luci in scena. Hai problemi ad ottenere la luce giusta? Metti una lampada nell'inquadratura o accendi le luci del soffitto.

Passaggio 6. Sapere come iniziare una ripresa

Le tecniche per iniziare un film variano da set a set, ma non dovrebbero variare da inquadratura a inquadratura. Avere una routine prima di iniziare le riprese assicura che tutti siano sulla stessa pagina, ogni volta. Quando possibile, questo è compito dell'AD. Una routine di esempio includerebbe:

• "Tutti questa è una foto, silenzio per favore!"
• "Roll suono!" Questo è il segnale per avviare i microfoni. Al termine, qualcuno urla "Rotolando!"
• "Immagine in rotolo!" Questo è lo spunto per avviare le telecamere. Al termine, qualcuno urla, in genere, "Velocità!"
• Leggi il titolo, la scena e il numero di ripresa "Questo è il mio film, scena 1, ripresa 2". Se hai un assicella, viene schiaffeggiato e qualcuno grida "Marker!"
• 3-5 secondi di silenzio.
• "AZIONE!"

Passaggio 7. Riprendi la tua copertura una volta che hai la scena che desideri

Scegli alcune angolazioni estreme, scatti interessanti dell'ambiente o primi piani dei volti, delle mani o degli oggetti di scena del personaggio e riprova la scena. Queste riprese possono durare solo 1-2 secondi nel filmato, ma sono essenziali per l'editing. Guarda qualsiasi film e nota quanti piccoli scatti apparentemente inutili vengono utilizzati per entrare nel mondo della scena, mostrare una contrazione emotiva o semplicemente passare da una scena all'altra. Filma queste riprese una volta che gli attori hanno pronunciato le loro battute a tuo piacimento.

I personaggi parlano della torta in tavola? Allora hai bisogno di un bicchierino solo della torta sul tavolo. Hai bisogno di mostrare che ore sono? Allora hai bisogno di un colpo d'orologio sul muro

Passaggio 8. Rivedi il tuo filmato ogni giorno e cancella la tua lista di riprese

Potrebbe essere necessario fare alcuni sacrifici a seconda del budget e del tempo, ma anche i registi di Hollywood sono costretti a farlo. Dopo ogni giorno, assicurati di avere tutto ciò che desideri e di cui hai bisogno, quindi cancellalo dall'elenco delle riprese. Devi sapere ora, non 3 mesi dopo quando inizi a modificare, se manca qualcosa.

Passaggio 9. Raccogli le riprese B-roll

B-roll sono semplicemente le inquadrature che non includono attori. Di solito viene utilizzato nelle transizioni, nell'apertura o chiusura dei titoli di coda o nella creazione di una nuova posizione. Esci con una videocamera e fai DP e ottieni quante più ore di riprese possibili. Il tuo obiettivo principale è pensare a filmati che possano completare il film. Ad esempio, il B-Roll in Punch-Drunk Love è una serie di inquadrature astratte e multicolori che corrispondono allo stato mentale confuso, ansioso e paralizzato del protagonista. I film di spionaggio di solito hanno un sacco di B-Roll di spiagge meravigliose, città affollate e paesaggi drammatici. B-roll racconta la tua storia in modo sottile e visivo.

• Non puoi mai avere abbastanza B-roll. Quando stai montando, questo è il tessuto connettivo che tiene insieme le tue scene per fare un film legittimo.
• Puoi, e dovresti, girare B-roll prima e dopo che una scena "finisce", poiché questi 2-3 secondi sono un ottimo modo per portare il pubblico nella scena lentamente.

Passaggio 10. Esegui il backup dei tuoi filmati ogni giorno

Alla fine delle riprese, prenditi del tempo per estrarre il tuo filmato dalle schede di memoria e scaricarlo su un disco rigido sicuro. Questo piccolo passo alla fine della giornata può farti risparmiare ore e ore di tempo nello sfortunato caso in cui perdi il tuo filmato.

• La maggior parte dei professionisti utilizza più di un backup, copiando tutti i filmati su almeno due fonti prima di cancellare qualsiasi cosa sulle schede di memoria.
• Prenditi questo tempo per organizzare anche le tue riprese. Crea una cartella per il giorno in cui hai girato, quindi organizza il filmato in quella cartella per scena. Questo renderà le riprese molto, molto più facili.

Metodo 4 di 4: Modifica del filmato

Passo 1. Scegli il software di editing giusto per il tuo film. Ci sono molte opzioni tra cui scegliere quando si tratta di software di editing video (spesso chiamati programmi di editing non lineare o NLE), da programmi gratuiti come iMovie e Windows Movie Maker a complessi potenti di livello professionale come Final Cut Pro e Adobe Premier. Ciò che scegli di utilizzare è in gran parte una questione di preferenze personali e del tipo di progetto su cui stai lavorando:

• Il software gratuito, come iMovie e Windows Movie Maker, è davvero utile solo per piccoli film, di solito di durata inferiore a 20 minuti. Non sono progettati per gestire molti video e angoli di ripresa e hanno un numero limitato di transizioni e opzioni per gli effetti.
• Il software a pagamento è necessario per qualsiasi aspirante regista. Se utilizzi più telecamere su una scena, hai bisogno di testo, transizioni o effetti fluidi o semplicemente desideri un programma di livello professionale, devi investire in un buon software. Attualmente, i tre programmi "standard di settore" sono Avid, Final Cut X e Adobe Premier, e ciascuno ha un prezzo elevato, spesso 400 dollari o più. Spesso, tuttavia, puoi abbonarti a questi programmi con un piccolo pagamento mensile.

Passaggio 2. Importa una scena nel tuo editor video

Con un cortometraggio (meno di 20-30 minuti), puoi probabilmente importare tutto il filmato in una volta. Ma se stai realizzando un lungometraggio o semplicemente lavori con molte angolazioni di ripresa, ti consigliamo di modificare il film in pezzi. Importa solo il metraggio necessario per la scena, così come qualsiasi B-roll pertinente.

Se hai più telecamere sulla stessa scena, usa l'opzione "Sincronizza" del tuo programma per allinearle tutte insieme. Trova la "modalità di modifica multi-camera" dei tuoi programmi, che semplifica il passaggio tra più scatti contemporaneamente, cercando "[Your Program] Multi-Cam Edit" online. Questo abbina tutte le telecamere in modo da non dover passare ore a verificare che ogni taglio sia in tempo con l'ultimo scatto

Passaggio 3. Usa i tuoi primi scatti per impostare l'atmosfera e il tema della scena

I primi scatti stabiliranno il focus della scena. Hai un numero quasi infinito di scelte, ma alcune delle più comuni includono:

• Il colpo decisivo:

  Questo è di gran lunga il modo più comune per iniziare una scena. Questa inquadratura mostra tutti gli attori principali, la scena e il luogo contemporaneamente. Ciò consente al pubblico di avere un'idea della scena e possono quindi seguire il resto dei tagli a venire.

• Focalizzato sul personaggio:

  Che dicano o meno la prima riga, seguendo il personaggio principale della scena, il pubblico dice al pubblico che questa è la persona a cui devono prestare attenzione: succederà loro qualcosa o si renderanno conto.

• Organizzare la scena:

  Usa B-roll e scatti della stanza/dell'ambiente per avere un'idea della posizione. Questo è usato in molti film, in particolare horror, in cui una scena potrebbe iniziare con 5-6 inquadrature raccapriccianti di una casa infestata di una stanza pericolosa.

Passaggio 4. Costruisci il dialogo attorno alle migliori riprese dell'attore

Riguarda il tuo filmato e scopri quali scene ti piacciono di più: dove tutti hanno colto nel segno, i dialoghi sono naturali e il filmato è chiaro e a fuoco. Se riesci a trovare una ripresa in cui tutto è ben fatto, sei fortunato e il tuo lavoro sarà molto più veloce.

Passaggio 5. Mostra ogni personaggio mentre pronuncia le sue battute

Questa regola non è dura e veloce, ma dovresti quasi sempre iniziare con essa. Da lì puoi decidere se è più importante guardare un personaggio che ascolta o un personaggio che parla. Guarda Whiplash o There Will Be Blood per avere una buona idea di dove dovrebbe essere il focus della scena nei film orientati ai dialoghi.

Il miglior personaggio da mostrare in una scena è solitamente una questione di tatto. Chi sente che deve essere il fulcro della linea? Un attore dà un'espressione o una reazione particolarmente buona a qualcosa? Dove andrebbero i tuoi occhi se fossi seduto nella stanza con gli attori?

Passaggio 6. Completa eventuali lacune/errori da B-roll e altre riprese

A volte non ottieni una buona ripresa e devi combinare molti filmati per far funzionare la scena. Questo è incredibilmente comune, ma non dovrebbe essere difficile se gli attori colpiscono correttamente il loro blocco ogni volta. Questo è quando aggiungi i dettagli e il colore alla scena. Ad esempio, un personaggio potrebbe offrire a qualcuno la torta sul tavolo e tu puoi tagliare un colpo della torta. Oppure, in una scena di interrogatorio tesa, potresti mostrare i criminali a faccia in su, sudati e preoccupati, prima di passare alla riga di dialogo successiva.

Non esiste un modo giusto per modificare una scena, purché ricordi che stai cercando di raccontare la storia sopra ogni altra cosa. Lascia che siano le immagini a parlare il più possibile

Passaggio 7. Regola il tempo della scena per dargli ritmo

La modifica riguarda il ritmo e il tempismo. Hai bisogno che il film scorra naturalmente. Questo è il motivo per cui gli editor pensano in termini di singoli fotogrammi - i micro-secondi ancora che vedi se metti in pausa lo schermo - invece che di secondi. Molti editor lavorano sulla musica per questo motivo, modificando i fotogrammi per adattarli a un ritmo o una canzone e dare ritmo alla scena. Non devi attenerti al ritmo naturale degli attori sullo schermo, e in molti casi non dovresti. L'aggiunta o l'eliminazione di pause, anche di pochi decimi di secondo, può rendere ottima una buona prestazione. Per esempio:

• Le scene comiche, orientate all'azione o ad alta energia hanno tempistiche molto rapide. Non ci sono molti spazi tra le righe e le parole quasi cadono l'una sull'altra per uscire. Questo rende la scena veloce e vivace.
• Le scene tese sono generalmente più lente. Le pause vengono prolungate, il B-roll viene utilizzato pesantemente e le riprese vengono trattenute a lungo per mettere a disagio lo spettatore. Per una lezione di perfezionamento sul montaggio lento, guarda 12 anni schiavo, in particolare la scena dell'impiccagione nel mezzo del film.
• Un cervello umano impiega 3-5 fotogrammi per riconoscere un'immagine. Ciò significa che, se stai cercando di essere troppo veloce con le cose, potresti semplicemente confondere il pubblico.

Passaggio 8. Impara i diversi tipi di tagli da modificare in modo professionale

Il montaggio è l'arte di raccontare una storia attraverso i tagli. In altre parole, un film è semplicemente una serie di video messi uno dietro l'altro, e il modo in cui si passa dall'uno all'altro è il modo in cui il pubblico percepisce la storia. Pertanto, il modo in cui ordini il taglio da un video all'altro è tutto ciò che "importa" durante la modifica di un film. I tagli migliori sono senza soluzione di continuità, raccontando la storia senza che il pubblico si renda conto che siamo passati da una scena all'altra.

• Taglio duro-- un taglio immediato su un'altra angolazione, di solito nella stessa scena. Questo è il taglio più comune nel film.
• Smash Cut- Un brusco passaggio a una scena completamente diversa. Questo richiama l'attenzione sul taglio, segnalando spesso una sorpresa o un grande cambiamento nella trama.
• Taglio di salto-- Un taglio improvviso fatto all'interno della stessa scena, spesso con un'angolazione leggermente diversa. Questi sono rari e di solito mostrano confusione o il passare del tempo.
• J-Cut-- Quando senti l'audio della ripresa successiva prima di vedere il video. Questo è un ottimo modo per collegare tematicamente due scene o fornire una narrazione.
• Taglio a L-- Quando vedi il video della ripresa successiva prima di sentire l'audio. Questo è un ottimo modo per mostrare un personaggio che parla di qualcosa, come una promessa, e poi la fa (o la infrange).
• Taglio di azione-- Un taglio nel mezzo di un'azione, come qualcuno che apre una porta, che "nasconde" il taglio nell'azione. Ad esempio, un personaggio potrebbe avvicinarsi per un bacio e mentre la sua testa attraversa lo schermo si taglia alla testa entrando nello schermo da un'altra angolazione, di solito la persona che sta per essere baciata.

Passaggio 9. Unisci le tue scene con B-roll e transizioni

Una volta che hai realizzato le tue scene, è ora di iniziare a metterle insieme. Se hai modificato tutte le tue scene come file separati, importale in un nuovo progetto "Master Film" e mettile in ordine. Quindi, usa il tuo B-roll, le riprese di copertura e le transizioni per farli fluire insieme senza soluzione di continuità. Mentre originariamente guardavi i tempi della scena, ora stai guardando i tempi del film: puoi tagliare una scena qua e là per far sì che le cose si muovano più velocemente? Hai bisogno di un po' più di B-roll tra le scene per dare al pubblico il tempo di reagire a un momento drammatico? Di nuovo: il tempismo è tutto.

• Questo è un buon momento per chiedere a un amico di guardare il film con te. Ottengono tutto quello che sta succedendo? Ci sono dei punti della trama che si perdono nello shuffle e richiedono più tempo? Qualcuna è troppo spiegata e può essere tagliata via?
• In generale, più tagli, migliore è il film. Se una scena non funziona e non aggiunge nulla di utile alla trama, sbarazzati di essa.

Passaggio 10. Correggi il colore e l'audio del tuo filmato per renderlo professionale

Una volta che il film è il migliore possibile, è il momento del lungo processo di pulizia. Gli ultimi e più importanti passaggi per un film professionale sono la correzione del colore e il missaggio del suono. Sebbene ci siano interi libri scritti sull'argomento, il miglior consiglio è quello di far sembrare tutto coerente: le scene hanno luci e colori simili e non ci sono punti in cui il suono è vistosamente forte o difficile da sentire.

Ci sono molti studi che, con un piccolo compenso, possono essere pagati per eseguire correzioni cromatiche professionali e mixaggio del suono. Se non sei sicuro di come farlo e desideri un film professionale, dovresti assolutamente pagare per il color grading professionale e il mixaggio del suono

Passaggio 11. Modifica per raccontare la storia, non per essere appariscente

Ci sono molti film appariscenti, famosi e stilizzati là fuori che sembrano una grande idea da copiare. Quentin Tarantino e Guy Ritchie, in particolare, hanno visto i loro stili animati e cinetici in film come Pulp Fiction e Lock, Stock e Two Smoking Barrels, adottati dai giovani registi di tutto il mondo. Quello che queste persone non capiscono è che quei registi hanno scelto quello stile perché si adattava al film. Il montaggio sembra senza sforzo perché lascia semplicemente che le storie (storie cinetiche, orientate all'azione) siano al centro della scena. Il tuo lavoro numero uno durante l'editing è lasciare che la storia si racconti da sola in modo naturale. Tu guidi lo spettatore, ma in nessun momento lo spettatore dovrebbe commentare la modifica. Il miglior editing è invisibile.

Suggerimenti

• Prova a scrivere un po' di musica per accompagnare il tuo film. Gli dà solo quel tocco speciale.
• Chiedi ai tuoi attori di dare un'occhiata alla sceneggiatura e chiedi loro di scrivere le cose che vorrebbero nel film. Cerca di metterli in una sequenza logica e assicurati che non siano troppo oltraggiosi per il tuo film.
• Molte città hanno sale che possono essere affittate se hai bisogno di un set più spazioso.
• Cerca di divertirti sul set perché renderà la recitazione più facile che essere seria per tutto il tempo. Puoi anche organizzare un incontro speciale per te e gli attori per discutere del film, dei personaggi, dei set e degli abiti che indosserai, e dare i loro pensieri su come rendere il film più interessante.
• Dissolvenze e dissolvenze di solito hanno un aspetto più professionale rispetto ad altre transizioni, come wipe o ribaltamenti.
• Prova ad aggiungere i suoni del doppiaggio, dà al film un tocco speciale.

Avvertenze

• Ma fai attenzione a questo, poiché il sole che splende sulla tua schiena potrebbe proiettare ombre nel tuo scatto.
• Se riprendi all'aperto, il sole potrebbe colpire la fotocamera con una cattiva angolazione. Prova a evitarlo girando in una giornata nuvolosa o spostati finché il sole non è rivolto verso la schiena del cameraman.