Realizzare il proprio film è un'impresa incredibile, ma difficile. I film sono una delle forme d'arte più collaborative al mondo, che richiedono molte abilità e talenti diversi. Detto questo, girare un film è molto fattibile se ti prendi il tempo per prepararti, trovi alcune mani dedicate e impari a rotolare con i pugni.
Questo articolo presuppone che il film sia già stato scritto e che ora debba essere filmato. Se desideri una panoramica più generale dall'inizio alla fine, fai clic qui.
Passi
Metodo 1 di 3: pianificazione anticipata (pre-produzione)
Passaggio 1. Leggi la sceneggiatura 4-5 volte e decidi il tono e l'atmosfera del tuo film
Qual è la "sensazione" generale della sceneggiatura? Scuro e lunatico? Comico e ottimista? È grintoso e realistico, o più giocoso e fantasioso? Forse cade nel punto morto. Molti script possono essere affrontati in diversi modi, ma è necessario conoscere lo script dentro e fuori prima di continuare.
- Quando leggi la sceneggiatura, pensa al "film" che ti viene in mente. Che cosa sembra? Che tipo di colori e immagini vedi
- Prendi appunti mentre leggi la sceneggiatura: questo ti aiuterà a comunicare la tua visione alla troupe.
- Hai visto altri film con idee o stili simili ai tuoi? È noto che Martin Scorsese fa sedere i suoi attori per guardare tonnellate di vecchi film prima di girare come fonte di ispirazione.
Passaggio 2. Crea uno storyboard, o una suddivisione visiva, di ogni scena
Uno storyboard è semplicemente un fumetto (una specie) per il tuo film. Mentre molti principianti saltano la fase dello storyboard, pensando che funzioneranno sul set, questo è il modo più sicuro per trasformare semplici scene in riprese di 2 giorni. Uno storyboard elabora le basi della scena, ma soprattutto tiene conto di tutte le inquadrature essenziali prima ancora che arrivi. Puoi trovare modelli e software di storyboard gratuiti online.
- In ogni giorno di riprese, stampa gli storyboard pertinenti e usali per spuntare ogni ripresa necessaria.
- Usa questi storyboard per dare la priorità ai programmi di ripresa. Se c'è una scena complessa ma essenziale, considera di girarla prima per assicurarti di ottenerla come desideri.
Passaggio 3. Vai alla ricerca della posizione per ogni scena
Separatamente dalla sceneggiatura, annota ogni luogo unico nel film, creando un elenco principale di luoghi. Accanto a ogni luogo, annota l'orario approssimativo della giornata nella scena, se il set deve cambiare da una scena all'altra ed eventuali considerazioni o elementi essenziali. Quindi mettiti in viaggio e inizia a esplorare, attraversando le scene mentre trovi le posizioni per loro o costruisci un set.
- Verificare con amici e familiari sull'utilizzo di case, cortili e attività commerciali. Ricorda che puoi riprogettare un set o riprendere solo una piccola area di una casa, e nessuno saprà dire che sei a casa di tua nonna.
- I luoghi pubblici spesso richiedono permessi e può essere difficile lavorare senza distrazioni o intrusioni.
Passaggio 4. Crea una "lista della spesa" di oggetti di scena essenziali, suddivisi per quelli che fai e quelli che acquisti
Ci saranno alcuni oggetti di scena - coltelli finti, costumi, ecc. - che puoi acquistare facilmente. Altri, come effetti speciali o oggetti di scena specifici del personaggio (come la valigetta in Pulp Fiction), dovrai essere creativo. Dai un'occhiata ai siti di film fai-da-te come NoFilmSchool o IndieWire per aiuto nella creazione di effetti e nella ricerca di buoni affari.
Realizzare i tuoi effetti e oggetti di scena è quasi sempre più economico e YouTube è pieno di migliaia di tutorial per quasi tutti i progetti
Passaggio 5. Fai il punto sulla tua attrezzatura attuale, puntando a 2-3 telecamere e almeno 1 buon microfono
I costi dell'attrezzatura sono una delle maggiori spese che incontrerai durante le riprese, poiché hai bisogno di molte attrezzature per realizzare la magia del film:
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Macchine fotografiche:
Hai bisogno di almeno 2, anche se 3 è molto più standard, in quanto ti consente di far parlare due persone e uno scatto principale (che copre l'intera scena). Le tue fotocamere devono essere in grado di riprendere nello stesso formato (1080p, 4K, ecc.), altrimenti non possono essere modificate insieme senza problemi. Con un budget? Dai un'occhiata a Tangerine proiettato al Sundance, che è stato girato interamente su iPhone 6s.
Non scattare a una risoluzione inferiore a 1080p HD. Maggiore è la risoluzione, migliore sarà la qualità dell'immagine. Puoi scegliere la risoluzione dalle impostazioni della fotocamera del tuo dispositivo. Gli iPhone più recenti possono scattare con risoluzioni 4K
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Microfoni:
Il pubblico nota un suono scadente prima di notare una brutta immagine. In un pizzico, i tuoi soldi dovrebbero essere spesi per un ottimo microfono, anche se è solo un microfono shotgun che si attacca alla fotocamera.
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Illuminazione:
Tutto ciò di cui hai bisogno sono 5-10 luci a morsetto e alcune lampadine diverse (tungsteno, smerigliate, LED, ecc.) Per adattarsi a qualsiasi scena tu abbia. Detto questo, un kit luci professionale da 3 o 5 pezzi renderà la tua vita più facile e molto più divertente.
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Altri elementi essenziali:
Indipendentemente da ciò che stai riprendendo, hai bisogno di alcune schede di memoria e batterie extra, un disco rigido di backup e un laptop per rivedere e salvare i filmati quando le schede si riempiono, treppiedi, prolunghe e ciabatte e alcuni rotoli di robusto nastro nero.
Passaggio 6. Recluta una squadra per eseguire telecamere, luci, effetti speciali e qualsiasi altro lavoro sul set di cui hai bisogno
Se hai un po' di soldi, vai su Craigslist o Mandy.com e pubblica annunci per reclutare una squadra di talento. In caso contrario, accedi alla tua lista di amici, offrendo loro un pranzo gratuito e un credito per l'aiuto. Quando possibile, cerca amici con esperienza fotografica o cinematografica e persone con cui puoi comodamente ordinare senza ferire i sentimenti. Avrai bisogno:
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Direttore della Fotografia (DP):
Questo è il tuo direttore della fotografia, responsabile dell'aspetto generale di ogni ripresa. Hanno il compito di impostare luci e telecamere e lavorano con te per trasmettere visivamente il tuo tono e il tuo umore. È molto, molto difficile essere sia un direttore della fotografia che un regista, e questo lavoro è forse il più essenziale da svolgere con una mano esperta.
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Operatori di telecamere e microfoni:
Una persona per telecamera e di solito una persona per tutto l'audio. Se usi un boom pole, assicurati di avere un boom operator che sia forte e che non si preoccupi di stare in piedi tutto il giorno.
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Continuità / Scenografia / Trucco:
Incarica qualcuno di assicurarsi che tutti i costumi, gli oggetti di scena e il trucco siano coerenti durante le riprese.
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Ingegnere del suono:
Ascolta tutto il suono mentre viene registrato, assicurandoti che sia corretto. Posizionano anche i microfoni per riprendere il dialogo dopo che le luci sono state impostate.
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Assistente di produzione:
Se puoi, cerca di avere sempre una persona "libera" in giro, in grado di fare tutto ciò che è necessario fare in un batter d'occhio. Con così tante parti in movimento in un film, verranno utilizzate.
Passaggio 7. Scegli i tuoi attori da Internet, scuole d'arte locali e post a pagamento
Ogni ruolo è diverso, così come ogni regista, quindi quello che cerchi in un attore dipende da te. Tuttavia, ci sono buoni modi per ascoltare le persone per assicurarti di ottenere la migliore occhiata a qualcuno in un breve periodo di tempo. È sempre una buona idea filmare un'audizione in modo da poter dare una seconda occhiata quando si confrontano gli attori. Alcune possibili strategie di audizione includono:
- Monologhi a memoria dove l'attore entra ed esegue il discorso di loro scelta.
- Letture di linea sono quando invii 2-3 pagine di sceneggiatura, che eseguono con te o un altro attore nella stanza.
- Letture a freddo sono quando dai a un attore una pagina del copione proprio quando entra. Possono leggerlo una volta, poi devono immergersi. Bene se vuoi attori improvvisati.
Metodo 2 di 3: lavorare in modo efficiente sul set
Passaggio 1. Inizia ogni giornata con una panoramica degli scatti e delle scene che devono essere catturate
Eseguilo per l'intera troupe e lancialo al mattino, stabilendo esattamente quali pagine girerai. Anche questo dovrebbe essere noto in anticipo, ma è un buon modo per mettere tutti sulla stessa pagina. Se questo è il primo giorno di riprese, rivedi i ruoli e le responsabilità con ciascun membro della troupe. Un equipaggio comunicativo è efficace, quindi per prima cosa dai il buon esempio.
- Dovresti solo aspettarti di girare, al massimo, 5-6 pagine al giorno in una produzione completa.
- Alcuni incontri sono più cruciali di altri: probabilmente vorrai parlare con il tuo direttore della fotografia ogni mattina di umore, luci e inquadrature, oltre a parlare con gli attori principali delle loro battute.
- Avere un piano di riserva: se uno scatto dura troppo a lungo, quali altri scatti elimini dal programma giornaliero? Se hai tempo extra, quali scene puoi girare oltre al programma?
Passaggio 2. Collaborare con gli attori per stabilire prima il blocco
Il blocco è dove vanno gli attori, come si muovono e quando lo fanno. Mentre dovresti essere consapevole delle luci, delle telecamere e del suono, questi possono essere regolati per adattarsi alla scena una volta che sai dove saranno gli attori e dove reciteranno le loro battute. Tuttavia, mantieni il blocco il più semplice possibile. Le telecamere catturano solo un piccolo frammento del set e la coreografia contorta rende il lavoro di tutti gli altri molto, molto più difficile.
- Se aiuta, usa del nastro adesivo per segnare dove devono finire gli attori dopo ogni scena.
- Non hai bisogno degli attori principali per tutta la preparazione del blocco. Se puoi usare i membri della troupe per sperimentare il blocco in anticipo, puoi semplicemente indirizzare gli attori ai loro posti quando arrivano sul set.
Passaggio 3. Collabora con il direttore della fotografia per impostare gli angoli della telecamera
Se stai facendo la tua fotografia, il miglior consiglio è considerare ogni scatto come una fotografia in movimento. Se lo allinei come un fermo immagine avvincente, otterrai uno scatto finale avvincente. Non tentare riprese in movimento senza attrezzatura come le telecamere fisse e un carrello a meno che tu non voglia un'inquadratura intenzionalmente traballante (a la Blair Witch Project). Per i principianti, ci sono solo tre inquadrature che devi padroneggiare e funzioneranno per quasi tutte le scene:
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Maestro:
Questa è una grande inquadratura grandangolare che cattura tutta, o quasi, l'azione nella scena senza doversi muovere.
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Due colpi:
Una telecamera passa sopra la spalla di ogni attore in una conversazione, permettendoti di saltare da una prospettiva all'altra. Se ci sono 3 o più persone nella scena, prova a inserire almeno due persone in ogni ripresa. Queste due telecamere dovrebbero coprire tutti i dialoghi.
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Scatti che stabiliscono:
Queste sono solitamente le prime inquadrature della scena, utilizzate per inserire il pubblico nella scena (come seguire un personaggio attraverso la porta di una taverna). In alcuni casi, il tuo maestro può raddoppiare come colpo decisivo.
Passaggio 4. Accendi l'inquadratura quando le telecamere e gli attori sono impostati
Anche se ci sono persone a cui piace impostare sia le telecamere che le luci allo stesso tempo, di solito dovrai regolare nuovamente le luci una volta che conosci gli angoli definitivi della telecamera. L'illuminazione di un set cinematografico è di per sé una forma d'arte, che richiede anni per essere padroneggiata, ma i registi principianti o indipendenti possono generalmente giocare con due stili di illuminazione:
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Realistico:
Avrai bisogno di molti diffusori, che rimbalzano la luce sulle pareti e sul soffitto. Il tuo obiettivo è un'illuminazione uniforme in tutta la scena. Un buon modo per verificarlo è mettere temporaneamente lo scatto in bianco e nero. Dovresti avere neri belli e profondi e un'ampia gamma di grigi, con solo un po' di bianco brillante per contrasto. Prova a usare "pratici", che sono luci integrate come lampade o ventilatori a soffitto, per aiutarti.
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Artistico o drammatico:
Usa luci grandi, luci colorate e contrasti netti per creare composizioni sorprendenti, quasi irrealistiche, come quelle di Sin City o anche "Her". Mentre l'illuminazione drammatica è sempre divertente con cui giocare, assicurati che ci sia uno scopo se ti allontani dal realismo.
Passaggio 5. Posiziona i microfoni per ultimi, osservando eventuali ombre accidentali o microfoni esposti
Sebbene un buon audio sia probabilmente più importante di un buon video per una ripresa professionale, deve comunque durare per ultimo in modo da non intromettersi nel set. Come tutti i lavori sul set, l'audio del film è un lavoro difficile e ricco di sfumature, ma ciò non significa che i principianti non possano fare un buon lavoro. A seconda della tua attrezzatura, avrai diversi lavori:
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Asta del braccio:
Questo è un microfono potente su un lungo palo di metallo. Di solito, è tenuto sopra la linea della telecamera con il microfono rivolto verso il basso verso i volti dell'attore. Riprende un audio incredibile, ma deve essere spostato ad angolo a qualunque attore stia parlando.
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Microfoni Lavaliere:
Questi sono attaccati all'attore con discrezione, come quei piccoli microfoni visti nei documentari. Ce ne sono molti che possono essere attaccati al petto di un attore, anche sotto la maglietta.
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Microfoni per fucile:
I microfoni più economici e facili da usare, vengono semplicemente posizionati sulla fotocamera durante le riprese. Sono quasi sempre migliori del microfono collegato alla fotocamera.
Passaggio 6. Inizia ogni ripresa con una lista di controllo professionale per preparare la troupe
Il seguente dialogo è usato, in qualche forma, su quasi tutti i set cinematografici. Puoi adattarlo alle tue esigenze e scattare, ma dovresti sempre eseguire questi controlli, non importa come lo dici.
- Questa è una foto, tranquillo sul set!
- "Roll suono!" Questo è lo spunto per avviare i microfoni. La persona dell'audio urla, "rotolando!" quando pronto.
- "Immagine in rotolo!" Questo è lo spunto per avviare le telecamere. Quando ogni addetto alla telecamera (o il DP) è pronto, urla "Velocità!"
- "Questo è fantastico film Wiki, scena 1, ripresa 2." Schiaffo l'assicella o semplicemente applaudire quando hai finito.
- Dare 3-5 secondi di silenzio, il che rende l'editing del film molto, molto più semplice.
- " AZIONE!"
Passaggio 7. Dopo aver ottenuto tutte le linee e le azioni essenziali, prendi la tua "copertura
" Questi sono i piccoli scatti che sono facili da dimenticare, ma costituiscono molto più film di quanto si possa pensare. Ad esempio, quando un personaggio controlla l'orologio, potresti tagliare su un primo piano del polso che mostra l'ora. Puoi anche provare alcuni angoli di ripresa estremi o divertenti per linee o momenti specifici, o impostare alcuni scatti artistici per le introduzioni e gli outro delle scene.
Pensa a quali inquadrature sono essenziali per raccontare la tua storia, ad esempio l'inquadratura di un test che il tuo protagonista ha appena detto di aver fallito, un orologio che ticchetta, ecc
Passaggio 8. Rivedere il filmato alla fine di ogni giornata, annotando eventuali riprese
In un mondo perfetto non dovrai rigirare nulla e alla fine della giornata avrai filmati utilizzabili e perfetti per ogni scena. Ma nel folle mondo del cinema, raramente la giornata è così semplice. Se ripetere o meno le riprese è spesso un giudizio a seconda del tempo, del budget e degli attori. Devi valutare quanto ti serve lo scatto rispetto a quanto ti costerà sparare di nuovo.
Prima guardi il filmato della giornata, prima potrai correggere gli errori, se necessario
Metodo 3 di 3: riprese di film più lunghi
Passaggio 1. Evitare il più possibile l'uso di loghi, marchi e copyright brevettati
Se hai un logo Pepsi nel mezzo delle tue scene, in realtà ridurrai le tue possibilità di entrare nei festival cinematografici. Come mai? Perché dovresti dei soldi alla Pepsi se il film fosse acquistato, dal momento che hanno il marchio. Ciò include anche la musica, il che significa che non puoi usare la tua canzone preferita dei Red Hot Chili Peppers a meno che tu non possa pagarla.
In un pizzico, nastro adesivo e pennarelli indelebili sono un ottimo modo per coprire i loghi su oggetti che non puoi spostare, come un forno o un frigorifero
Passaggio 2. Scrivi i contratti, anche se stai solo filmando con gli amici
In un lungo film, potresti perdere settimane di lavoro se un membro essenziale del cast si alza e se ne va a metà. I contratti possono sembrare impersonali, ma sono abbastanza ovvi: un contratto ti consente di rimanere amici sapendo sempre dove si trova l'altro. C'è troppo da fare su un set cinematografico così com'è: non aggiungere battibecchi o preoccuparti anche di pagamenti e orari.
Passaggio 3. Dedica del tempo a raccogliere B-roll, il filmato connettivo che si riempie tra le scene
B-roll è generalmente considerato qualsiasi colpo che non ha linee parlate e colpi non essenziali che aiutano la transizione attraverso le scene. Guarda alcuni film e nota i piccoli, 1-2 clip, di solito tra le scene, e nota come muovono visivamente la storia. Pensalo come le inquadrature fuori dall'auto in un film di viaggio, le eleganti inquadrature della nuova auto di James Bond e qualsiasi altro abbellimento o scena puramente visiva.
- Sii creativo con B-roll, questa è l'occasione per te e per il DP di essere abile con molto meno stress.
- Assicurati che il tuo b-roll si adatti al tono o al tenore del film. Punch Drunk Love utilizza colori brillanti e astratti per indicare gli sbalzi d'umore. I film horror usano inquadrature lente e scure. I film d'azione utilizzano paesaggi rigidi, estremi e drammatici, ecc.
Passaggio 4. Crea e tieni traccia di un budget
I film diventano costosi, rapidamente, ma la cosa peggiore che può succedere è rimanere a corto di fondi essenziali con solo 10 pagine rimaste da girare. È necessario preventivare tutto in modo considerevole una volta terminata la pre-produzione, tra cui:
- Stipendi e cibo del cast e della troupe
- Diritti sulla musica i nostri suoni
- Trasporti
- Oggetti di scena e costumi
- Attrezzatura per le riprese
Passaggio 5. Assicurati un montatore per il tuo film
Ci sono molte persone che non credono che un regista dovrebbe modificare il proprio lavoro. Come mai? Perché il montaggio consiste nel tagliare spietatamente il film solo nelle parti migliori e la maggior parte dei registi è troppo attaccata al materiale per tagliarlo in modo obiettivo. Ovviamente darai indicazioni, guarderai i tagli di massima e fornirai note, ma dovresti cercare online un altro editor per aiutarti a guadare le centinaia di ore di filmati che hai.
- Preparati a guardare il film centinaia di volte. Può essere utile coinvolgere anche uno o due amici fidati per notare cose che tu e il tuo editore potreste perdere.
- A seconda delle competenze del tuo editor, potresti aver bisogno anche di un sound designer per creare effetti sonori e trovare e posizionare la musica.
Passaggio 6. Fai in modo che il film sia padroneggiato professionalmente e valutato il colore
Questo di solito costa circa $ 1, 000- $ 5, 000 per un film a figura intera. Il mastering prenderà i volumi audio e li bilancerà in una traccia coerente, assicurandosi che tutto sia facile da ascoltare e che non ci siano transizioni stridenti. La correzione del colore assicura semplicemente che ogni scatto abbia lo stesso aspetto, risolvendo piccoli problemi e creando un'immagine finale strabiliante.
La gradazione del colore può essere utilizzata per creare l'intero stato d'animo visivo e il motivo della scena rendendolo più luminoso o più scuro, più vibrante o più cupo
Passaggio 7. Tratta la tua troupe, i soldati non detti del film, con amore e rispetto
Organizza loro una festa di chiusura. Compra loro caffè e ciambelle ogni tanto. Molte di queste persone non saranno mai ben conosciute e trascorreranno tante ore faticose e massacranti quanto te. È facile ricordarsi di coccolare i tuoi attori, ma la troupe è altrettanto importante e merita la tua attenzione.
